ニューヨークファッションウィーク期間中に最もバズったショーとなった日本人デザイナーのランウェイデビューコレクション・・・インスタグラム時代のインスタントサクセス！〜「TOMO KOIZUMI」２０１９～２０年秋冬コレクション〜

インスタント・サクセス（Instant Success）という言葉があります。日本語の”インスタント”から”容易く成功する”と解釈されてしまいそうなのですが、本来の意味は「地道な努力の結果に、たちまち成功をする」であります。まさに、この”インスタント・サクセス”となったのが、初のランウェイコレクションをニューヨークファッションウィークに開催した日本人デザイナー小泉智貴氏（ブランド名は「TOMO KOIZUMI」）です。

一年ほど前から彼のinstagamをフォローしているのですが、デビューコレクションがニューヨークという離れ業で、世界的なメディア各紙で高く評価される快挙に（他人事ながら）ヒジョーに興奮しています。小泉氏は１９８８年４月７日生まれということなので、まだ３０歳！・・・あの川久保玲氏でさえ、海外（パリ）で初めてショーを開催したのは３８歳なのですから「なんたって若い」です。

幼少期から母親の影響でファッショには興味を持っていたという小泉氏・・・１４歳のときにジョン・ガリアーノによるディオールのクチュールコレクションに魅せられて、クリスマスに買ってもらったミシンで独学で縫製を始めたとのこと。高校時代には、文化祭でファッションショーを企画したり、デザインコンテストに入賞・・・進学した千葉大学ではファッション系のサークルに所属して、年数回ショーや展示会を開催して作品を発表しながら、スタイリスト北村道子氏などの手伝いも経験しています。

ゲイパーティーのイベンター「fancyHIM（ファンシーヒム）」のスタッフを務めていた小泉氏・・・大学４年生の時、自作の服を友人に着せた姿がスナップサイト「Droptokyo」に掲載された写真がきっかけで、都内セレクトショップの「ザナドゥ・トウキョウ（Xanadu Tokyo）」と「ガーター（Garter）」で取り扱われることになり、在学中に「TOMO KOIZUMI」という名前でブランドを立ち上げます。

２０１１年合同展示会@GARTER 

デザイナーになるか？スタイリストになるか？進路に悩んでいた時期もあったようですが・・・Perfumeの衣装デザインをする機会にも恵まれたことや、師である北村道子氏からのアドバイスもあり、服作りを突き詰めていくことを決心したらしいです。

ただ当時は、仕事よりも恋愛（ラバーズ・ストーリー）を優先するところもあったようで・・・大学卒業後は、結婚の約束をしていたグラフィックデザイナーの”彼氏”と一緒に暮らすため、オーストラリア（シドニー）へ行く計画をしていたといいます。「どれほどオーストラリアに滞在したのか？」「語学留学だったのか？」は分かりませんが・・・instagamのコメントを英語で投稿することも自然にできているので、短い期間であっても”生”の英語に接した経験は無駄にはなっていないようです。

その後、その”彼氏”さんとどうなったのかは知る由もありませんが・・・しばらくして（？）日本に戻ってきたようで、多くの芸能人／アーティスト（加藤ミリヤ、BENI、富永愛、水原希子、夏木マリ、小柳ゆき、浜田ぱみゅぱみゅなどなど）のスタリングや衣装制作に携わっていきます。

衣装の仕事をしながら、ミニコレクション（２０１３年春夏／Minerals）を発表したり、TOKYO GIRLS COLLECTION（２０１４年）に参加。プレタとしての「TOMO KOIZUMI」ラインも継続されていたようですし、「GINZA」「装苑」やなどで注目のデザイナーとして取り上げられています。

２０１３年春夏コレクション「MINERALS」

「GINZA」２０１２年１２月号

「装苑」２０１３年１月号

「フェミニン」「ネオンカラー」「コルセット」という特徴はあったものの、この頃は突き抜けたオリジナリティーを発揮するまでには至っていないような印象なのですが・・・２０１５年くらい（？）から発表し始めた「ふわふわシリーズ」というポリエステルオーガンザのラッフルを何層に重ねたドレスが、小泉氏のシグニチャーとなっていくのです。

２０１６年３月、ブロックハウスギャラリーで発表された”Ballet”と名付けられたコレクションが転機となり、今回のニューヨークデビューへと繋がっていきます。

２０１６年秋冬コレクション「BALLET」

２０１６年のレディー・ガガ来日の際、面白いデザイナーを探していると聞きつけて、音楽関係者の友人を介して”Ballet”のメインルックを届けてみたところ・・・若者に投票を訴えるメッセージを発信した時にこのドレスを着てくれて、その姿がSNSで世界へ拡散されます。

レディー・ガガが着たドレスのデザイナーとして知られるようになったことが関係しているのかは分かりませんが・・・ドリカム、木村カエラ、YUKI、ノースリーブス、芳村真理など衣装を提供する芸能人／アーティストも”有名どころ”が増えていきます。

さらに、サロン・ド・ショコラのショーの衣装を制作したり、装苑の８０周年記念号で歴代の表紙をプリントした生地でドレス制作をしたり、新宿伊勢丹のショウウィンドウを飾ったり、東京メディアセンターや文化服装学園で展覧会を開催したりと、順調にキャリアを積んでいくのです。

２０１６年１月／サロン・デュ・ショコラ

「装苑」２０１6年12月号

２０１７年１０月／伊勢丹ショウウィンドウ

２０１８年４月／東京メディアセンター

そんな時・・・プラダやミュウミュウのショーのスタイリングで知られるアメリカの有名スタイリストのケイティ・グランド（Katie Grand）の目に留まることになります。

イギリスのファッションデザイナー／ジャイルズ・ディーコン（Giles Deacon）が投稿した「TOMO KOIZUMI」のラッフルドレスを、ケイティ・グランドが見て自分の雑誌「LOVE」で撮影・・・その後、小泉氏のinstagamで他のドレスも見て、すぐさま一緒にショーを開催することを打診（ショー開催の４週間前！）したそうです。ケイティの友人であるマーク・ジェコブス（Marc Jacobs）と彼のアシスタントが全面協力して、２４時間以内にはメイクやヘアスタイリスト、出演する有名モデルたち、靴の提供やファッションサービスエージェンシー（KCD）まで手配（それもギャラなし！）してしまったというのですから、ニューヨークファッション界の重鎮である二人が、今回のデビューコレクションを実現させたといっても過言ではありません。

ニューヨークファッションウィークの期間中である２月８日・・・「TOMO KOIZUMI」の初のランウェイコレクションは、マジソン街にあるマーク・ジェコブスの旗艦店にある長い階段を降りて（モデル泣かせ〜！）フロアをぐるりと廻るランウェイが設けられた会場で開催されました。

「TOMO KOIZUMI」の集大成的なアーカイブ２８点で構成された１０分程度のミニコレクションには、ショーの前からWWDなどの業界紙が注目して取材。多くのメディアや観客が押し寄せて、スタンディングオベーションで幕を下ろし、ニューヨークファッションウィーク期間中、最もバズったランウェイショーとなったのです。

メイク（パット・マクグラス／Pat McGarthが担当）も、ヘアスタイル（グイド・パラオ／Guido Palauが担当）も、ネイル（ジン・スーン／Jin Sonが担当）も、シンプルにまとめられており、渋めのBGMと相まって、キッチュな”大人服”に昇華させているように感じます。

ハンドメイドの域を出ていないところも見受けられるので、ショーの見せ方を間違えばチープなコスチュームとして受け止められたかもしれません。カラーバリエーションの豊富なポリエステルオーガンジー生地による大量のラッフルの”カラフルさ”や”シルエットの面白さ”は「インスタ映えするキッチュ」「わかりやすいアヴァンギャルド」であり・・・「ファッションの歴史を知らないなら新鮮」であります。第一線で毎シーズンコレクションを発表しているトップの”ファッションデザイナー”と同列で語るレベル（技術的にもクリエイティビティに於いても）にはありません。

商業主義とクラブファッションという両極端のイメージがあるニューヨークファッションシーンですが、王道は「大人の女性」向けファッションです。クチュール風の演出は、ニューヨークファッションを熟知するケイティとマーク二人のアドバイスだったのでしょうか？もし同じショーが東京で行なわれていたらば・・・単に”尖った”クラブイベントで終わっていたかもしれないのですから。

本来ラッフルには、クチュールのテクニックが凝縮されています。近年では、パリのオートクチュールで活動するイタリア人デザイナー／ジャンパティスタ・ヴァリ（Giambattista Valli）が、クチュール的な繊細さと先端的な縫製を駆使したラッフルを何層も重ねた豪華絢爛なイブニングドレスを発表し続けています。

袖、襟、裾などの部分使いやスカートなど、ボリューム感を演出することの多いラッフルですが・・・アヴァンギャルドな使われ方されることもあります。２０００年の秋冬に、フセイン・チャラハン（Hussein Chalayan）とジュンヤ・ワタナベ・コム・デ・ギャルソン（Junya Watanabe Comme des Garçons）が発表したコレクションは、ラッフルの可能性を広げる創造性に溢れていたのは、ボクの世代には記憶に新しいことです。

デビューコレクションを、クチュリエ（高級仕立て服職人）やクリエイティブなトップデザイナーと比較するのは少々酷かもしれませんが、現時点では「服」として、あまりにも稚拙（ステージ衣装としては完成度は高いですが）・・・今後は縫製やパターンの技術だけでなく、素材や造形に於いても創造性を発揮して「ラッフルの一発屋」を超越する世界を表現して欲しいものです。

数シーズン前から、ボリューム感のある服、多色の組み合わせや柄オン柄などのマルチカラー、デコラティブなディテールなど・・・トレンドがエクストリームな方向へ再び移行しているタイミングも「TOMO KOIZUMI」には追い風になったのかもしれません。ショー開催に協力したマーク・ジェコブス自身のコレクションでも、エクストリームなボリューム感やラッフルは、今シーズンの重要な要素になっています。

トレンドという観点では”ベストタイミング”で世界デビューを果たした「TOMO KOIZUMI」の次の一歩は、何なのでしょうか？「WWD JAPAN」紙では、海外セレクトショップでの取扱い開始とプレタラインの始動を示唆しています。（日本国内の市場で既製服のビジネスとして評価されるのは難しいと思うので正しい方向性？）

イギリスのリバティ百貨店（Liberty）、ネッタポルテ（Net-A Porte）、ハーヴェイ・ニコルズ（Harvey Michols）、セルフリッジ（Selfridge's）、アメリカのドーバーストリートマーケット（DSM）、香港のジョイス（Joyce）などから、既にアポイントメントが入っており、本格的なファーストコレクションは、パリで発表するようにというアドバイスを受けたそうです。

また、今回発表されたデビューコレクションを、市場向けに落とし込むことも始めているそうなので、ウェアブルなプレタラインも近々発表されるのかもしれません。イベントに出席するセレブやプロモーションビデオへの貸し出し依頼も多数あるようですし、今年５月のメットガラ（Met Gala）で着用するドレスの制作依頼もあったということなので、衣装としてのカスタムオーダーや貸し出しは今後増えそうであります。

大学卒業時には”ラバーズ・ストーリー”を優先して”彼氏のために”オーストラリアに移住したこともある小泉氏なのですから・・・「ラッフルの一発屋」で終わらないためにも、自分自身のため（日本の居心地の良さや仲間に執着せず）世界へ飛躍して欲しいと思います。

もし夢でデザインをしたら・・・ひとつのファンタジーとしてのファッション～ロメオ・ジリのパリコレクション１９８９年〜９１年～

バブル時代のファッションというと、多くの日本人にとっては「ボディコン」ということになるのかもしれませんが・・・世界的にみるとプレタポルテの世界で、手の込んだ高価なファッションが多く登場した時代と言っても良いのかもしれません。

それまではデザイナーレーベルといっても、ジャケット一着１０００ドル（当時の為替で１５万円程度）ぐらいだったのが、一気に数千ドルに跳ね上がっていった印象があります。

それまでアメリカでは、一部のファッション好き（当時ファション・ビクティムと呼ばれた）や、経済的に余裕のある人しか、ヨーロッパのファッションブランドには興味はありませんでした。

元々、貧富の差の激しいアメリカですから、海外から輸入されるファッションを着るというのは、中産階級以下にとってはファッション雑誌（ヴォーグなど）のなかでのファンタジーとしての世界・・・トレンドが反映されるのも、水増しされた数シーズン後というのが当たり前だったのです。

１９８０年代後半から、ファッションを紹介するレポート番組が制作されるようになっていったことで「情報」として「ファショントレンド」が消費されていく時代へ向かっていったのです。

日本人からすれば「やっとかよ！」というようなことでしょうが・・・当時、まだまだなんとか言っても世界的には最も大きな市場であったアメリカで、いわゆる「ブランド」が情報として広がっていったのは、バブル経済時代でした。

その後の１９９０年代は「セカンドライン」「ディフュージョンライン」などのデザイナーによる価格帯を下げたラインが注目され・・・２０００年代後半には「ファストファッション」の広がっていきました。

ここ２０年のあいだに「ファッション」はショッピングの「華」から・・・単なる「消耗品」になったような気さえします。

ロメオ・ジリは、１９８０年代半ばに登場したイタリアのデザイナーで、当初は「地味」「渋い」「華奢」の細身のテーラードを基調としていました。

同時期に登場したドルチェ＆ガッバーナと同じく、シチリアの泥臭さも感じさせる雰囲気が、今までの洗練されているモダンなミラノファッションとは違うというのが印象的だったのです。

その後、ドルチェ＆ガッバーナはより派手なイタリア的な女性像を追求していくことになるのですが、ロメオ・ジリは基本的路線は常に清楚なイメージを保ち続けていました。

ボトムスの細身のシルエットは、ハッキリ言ってしまえば、肉感的なアメリカ女性には不向きなファッションと言えたのですが・・・１９８０年代の流れで大きなショルダーパッドなどに代表される攻撃的な女性像とは真逆であったことで、新鮮な流れとしてファッション業界人の支持を受けたのでしょう。

また、コム・デ・ギャルソンほどのファッションステイトメントの主張ではなく、といってゴルチエほどコスチュームっぽくもなく、またアルマーニのようにババ臭くないところも、良かったのかもしれません。

当時のセレクトショップのリーダー的だった「チャリバリ」では、ワンフロア分のロメオ・ジリ専門ブティックができたという記憶があります。

ただ、ロメオ・ジリのコレクションというのは、アイテムやシルエットのバリエーションもそれほど多くはなく、スパイスカラーなどの差し色以外、似たような商品が毎シーズン並んでいたのでありました。

そのロメオ・ジリが、満を持してパリコレに参加したのが１９８９年～９０年の秋冬コレクションでした。

そして、それに続く１９９０年春夏、１９９０年～９１年秋冬のコレクションは、圧巻のファンタジーとしてのファッションを見事に表現していたのです！

当時は、今のようなインターネットによる即日の配信なんて一切ありませんから、最も早いニュースのソースは新聞ということになります。

その中でも特にファッション業界向けに発行されている「WWD」による速報と評価というのが、その後のアメリカ国内でのビジネスを左右するほど絶大な権力も持っていたのです。

「WWD」には、ロメオ・ジリのパリコレデビューは、それほど好意的に受け止められなかった記憶があります。

現実的なファッションを求め評価する「WWD」は、１９９０年になっても日本人デザイナー（コム・デ・ギャルソンやヨージ・ヤマモト）に対しては、殆ど無視に近い報道の仕方しかしていなかったわけですから・・・。

ボク自身は、ロメオ・ジリのパリのコレクションは、数ヶ月後日本のファッション誌のコレクション号で、その全貌を知ることになるのですが・・・まったく日本人と感性の違うクラフト感というのに衝撃を受けました。

ベルベット、刺繍、ラメ、プリーツなどを多用した華麗なルネッサンスと重厚なバロックの洗練された融合！

ベネチアグラスのドレス・・・まさか、リアルにシャンデリアのパーツのようなグラスがぶら下がっているとは！

そして、緻密な織りのコートなどは、まるでアンティーク家具を着ているかのようでもあります！

イタリアというファッション生産拠点としての歴史と、ルネサンス時代からの美術／芸術、そして力強く、かつ華奢なイタリアの女性像を、グローバル化した２０世紀を生きる現代のライフスタイルの中に取り入れていた・・・美的な完成度が非常に高いコレクションでした。

一時期はニューヨークの街中では、ロメオ・ジリの豪華なコートは頻繁に見かけましたが（日本では高島屋のライセンス展開だったため、手の込んだ商品は殆ど紹介されなかったのかもしれません）・・・時代の変化のなかで精彩を失い、消えていきました・・・。

しかし、現在のメンズの一般的な市場のスタンダードとなっている細身の３ボタンスーツというのは、ロメオ・ジリのデビュー当初からのシグニチャーとも言えるライン・・・その影響はある意味継続していると言えるのかもしれません。

美しくあるべきためだけに贅沢である「ファッション」というものが存在できる市場はなくなってしまった今・・・改めてロメオ・ジリの１９９０年前後のバロック・コレクションを眺めてみると「ファッション」が夢のようであった郷愁を感じてしまうのです。

これぞ、究極のリアルクローズ！・・・ローマのアルタ・モーダ時代のジャンフランコ・フェレのオートクチュール・コレクション～１９８９年春夏～

イタリアのミラノでプレタポルテのデザイナーとして活躍していたジャンフランコ・フェレは、１９８９年の秋冬、パリのクリスチャン・ディオールのオートクチュール（プレタポルテ、アクセサリーも含む）のデザイナーとして就任しました。

当初は、フランスの誇りといえるオートクチュールのデザイナーに、イタリア人を起用したことにかなり反発があったようですが・・・フェレの見事な手腕に誰も文句はつけられなかったようです。

フェレは、ディオールが活躍した１９５０年代のスピリットを、モダンな解釈とフェレ自身の持ち味を、インテリジェンスに融合させました。

構築的で大胆なシルエットで知られたフェレのスタイルは「ディオール」以上に「ディオールらしく」・・・歴代のデザイナーの中では、最も適任者ではなかったかと思います。

パリでオートクチュール・コレクションを発表していることを知っていても、ローマの「アルタ・モーダ」でもオートクチュール・コレクションが（現在でも！）発表されていることは、あまり知られていません。

ディオール時代にフェレが発表したクチュール・コレクションも素晴らしいのですが・・・ディオール以前（１９８６年から１９８９年春夏）に、ローマの「アルタ・モーダ」にて発表していたクチュール・コレクションの方が、ボクは好きなのです。

特に、ディオールのデザイナー就任直前、そして、フェレ自身の名前を冠したクチュールコレクションの最後となった１９８９年の春夏コレクションは「圧巻」でした。

今現在の２０１０年において、このコレクションを改めて見てみても「究極のリアルクローズ」としての完璧なオートクチュール・コレクションであったと思っています。

ペールブラウンを中心に、ホワイト、ブラック、レッドのミニマルなカラー構成。

無地をベースにしながらも、ストライプ、ペーズリー、フローラルなど柄のバリエーション。

そして、ラフィア、レース、ビーズ、シフォンなどによる立体的な装飾。

コレクションを構成されたアイテムは、現代的でミニマルなトップス、スカート、パンツ、ジャケット、ドレスでありながら、装飾性をモダンに加えて、懐古趣味に陥っていない、エッジを利かせたエレガンスの極みに達しているのであります！

デイウェアのスーツからリゾートでの装い、カクテルパーティーやイブニング、そして堂々たるグランドイブニングまで、ライフスタイルだけでなく、デザイン要素を含めて、明確なコンセプトが貫かれています。

一般的な女性の生活には非現実的と思えるような服ばかりですが、クチュールを購入するライフスタイルをもった顧客の視点で考えてみると、完璧なワードローブと言えるのではないでしょうか？

・・・ただし、裕福な貴族の夫人となり、いくつかの企業を運営しながら、週末はリゾート地で過ごし、社交界のパーティーに出席しなければならないという「現実」があってこその「リアルクローズ」ということでは、あるのですが。

その後、ディオールの主任デザイナーはジョン・ガリアーノが就任し、ジャンフランコ・フェレは２００７年に６２歳という若さで他界しました。

現在はアクセサリーのみ「ジャンフランコ・フェレ」のブランドで存続されているようですが・・・建築家志望だったフェレが、ファッションに関わるきっかけになったが、友人のために制作したアクセサリーだったそうです。

これを「皮肉な終焉」「スタートに回帰」のどちらに解釈するかは、それぞれでありますが・・・。

どんな素晴らしくても、どれほど革新的であっても、コレクションは半年経てば「在庫」という「ゴミ」になってしまうのが、ファッションビジネスの”定め”・・・これから１０年経ち、２０年経ったとき、ジャンフランコ・フェレを記憶している人は、どれくらいいるのでしょう？

ファッションの歴史というのは、ビジネスを続けている生き残ったブランドによって塗り替えられ、ブランドとして継続されていないデザイナーの名前や業績は忘れ去られてしまいがちなものなのだから・・・。